Archive > июня 2012

Слово модернизм означает новый. Литература всё время меняется, развивается. Никогда реально существующая литература не бывает однолинейной.

В середине 19 века романтизм был очень потеснён реализмом, который занял ведущее положение. В новациях в конце 40-х – н.50-х появляются произведения, с которыми связано представление о модернизме как об особом направлении.

Если классицизм, романтизм и реализм – длинные периоды, модернизм отличается очень большой изменчивостью.

Модернисты ищут новые пути освоения действительности, а практически – новый язык (средства передачи нового взгляда на мир). Как только взгляды утверждаются, модернизм должен меняться.

Модернизм имел 3 разновидности:

1) Антиэстетизм (эстетика – греч. прекрасный) – отрицание красоты как ценности; присутствует в жизни и художественном произведении (Шарль Бодлер)

Шарль Бодлер – французский поэт, на поколение моложе романтиков. Умер ещё до нашествия германских захватчиков (во 2 пол. 60-х). Он впитал в себя литературу романтическую, был на ней воспитан, и реалистическую, которая развивалась вместе с ним. Ни то, ни другое, видимо, его не удовлетворяло. Бодлер увидел действительность по-своему. Его взгляд на жизнь чрезвычайно пессимистичен. В его произведениях отталкивается красота и осмысляется жизнь. Его человек живёт в крайне неблагоприятном окружении. Центральная тема – одиночество, и даже обречённость творчества человека. У романтиков поэт нёс в себе творческие возможности, это было прекрасно. У Бодлера поэт ничего прекрасного внести в мир не может. Красота – это кажимость, иллюзия. Субъективным возможностям поэта не реализоваться.

В поэме Бодлера «Пловцы» (перевод Цветаевой) человеческое бытиё бессмысленно, человек заранее обречён на гибель. Это осмысление становится вечным проклятием. Жизнь превращается в процесс бесцельного перемещения («Но истые пловцы – те, что плывут без цели: плывущие – чтоб плыть! ​Глотатели широт, что каждую зарю справляют новоселье и даже в ​смертный час еще твердят: вперед!»). Это обеспечивает нечеловеческую тоску, в которой существуют люди. Тоска толкает носителей к преодолению пространства. Безмерность мечты сталкивается с предельностью морей.

Мир, который окружает поэта, не только лишён красоты. Он негативный, враждебный. Каты – частый персонажи Бодлера, носители ночи и тайны. В некоторых произведениях очевидные отклики языка романтиков («Могила проклятого поэта» - ночь, кладбище, совы и могила, которая показана иначе, чем у романтиков – между жизнью и смертью никакой связи). Романтический мир становится содержательной частью поэзии Бодлера, но утрачивает позитивность. Для него творчество – это не незыблемая ценность, как у романтиков, а проклятие, которое несёт сам поэт.

«Альбатрос» построено по принципу параллелизма. Птица становится символом поэтического дара. Но это стихотворение жёсткое: палуба, матросы пускают дым в глаза птице, а она не может взлететь. Крылья – символ достоинства, здесь обречение на неволю.

Стихотворение «Падаль» Бодлера начинается с традиционной ситуации: прогулка в летний день по лесу, игра солнечных пятен, свежий ветерок, молодая пара. Затем происходит слом: до ноздрей доносится омерзительный запах разлагающегося мяса. Они выходят на поляну, где в бликах солнца туша лошади. Бодлер с издевательскими подробностями рисует отблеск загнивающей плоти. Это отталкивает. Нормальные люди убежали бы, но у Бодлера иначе. Бодлер говорит, что вы умрёте и превратитесь вот в это. Произошёл слом. Романтизм поменял знаки, а реализма здесь нет. Это модернизм.

2) Через 35 – 40 лет в Англии появляется роман «Портрет Дориана Грея». Произведение станет знамением эстетизма.

Вторая половина 19 века в Европе стремится к экспериментам (фр. экспрессионизм). В Англии на рубеже 70-80-х гг возникло в первую очередь среди живописцев направление прерафаэлитов. Целый ряд художников усваивали приёмы ранневозрожденческих художников. Это повлияло и на Оскара Уайлда.

В «Портрете Дориана Грея» явная перекличка с романтизмом. Здесь судьба художника и его творений. Бэзил Холлуорд – талантливый живописец, который написал волшебный портрет. Мотив двойничества также сближает с романтизмом: двойную жизнь ведёт Дориан Грей: для всех он благопристойный светский молодой человек, но для себя он знает, что его жизнь проходит в притонах, среди отребья, на его совести смерти, нет ничего святого, единственный смысл жизни – удовлетворение собственного тщеславия. Дориан усваивает внушённые ему мысли философа, что красота – единственная ценность, она оправдывает всё, не связана с ответственностью, этикой.

Роман производит двойственной впечатление: с 1 стороны прославляет красоту и сам написан замечательно. Красота входит в 2 вариантах: природная (английский парк) и творчество, создания художника (это то, во что преображается талант, результат души и умений). С романтизмом сближает и сказочный мотив, в результате которого живой человек и его изображение меняются местами. Мотив портрета – интересная вещь (похожая повесть Гоголя о художнике Черткове).

Юный красавец Дориан Грей высказывает пожелание, чтобы он навсегда остался внешне таким же, как в момент завершения его портрета, и с этого мига на протяжении двадцати лет действия романа он сохраняет все очарование юности, а портрет, спрятанный в его доме, отражает его настоящую жизнь, накапливая следы порока и преступлений. Символика волшебного предмета у Уайльда менее философична, сведена к эстетической проблематике. Портрет Дориана, выполненный его приятелем Бэзилом Холлуордом, как всякое истинное произведение искусства, отражает его истинную сущность; искусство — вот правдивое свидетельство, вот верное зеркало жизни героя. Попытка Дориана в финале романа уничтожить надежно спрятанный портрет завершается его собственной гибелью, а произведение искусства неуничтожимо. Портрет в своей первозданной красоте будет жить вечно:

Войдя в комнату, слуги увидели на стене великолепный портрет своего хозяина во всем блеске его дивной молодости и красоты. А на полу с ножом в груди лежал мертвый человек во фраке. Лицо у него было морщинистое, увядшее, отталкивающее. И только по кольцам на руках слуги узнали, кто это.

Таким образом, в самом сюжете романа заложена главная идея эстетизма о безусловном превосходстве искусства над реальной жизнью.

3) Символизм

Французские последователи Бодлера – Леконт де Лиль, Малларме, Артюр. Рембо – начинали с откровенных подражаний его манере.

Первым этапом исторического сдвига и было развитие французского романтизма к символизму. Символизм предстал последней стадией трансформации романтизма в пределах XIX столетия.

К концу века символизм отождествился с ощущением неопределенной, но безграничной свободы, которая для французов конкретизировалась в чрезвычайно существенном для национальной поэзии освобождении от жесткой системы традиционного стихосложения, в создании системы если не свободного, то освобожденного стиха. Главная задача символиста – воспроизведение «изначальных Идей», вследствие чего всё «природное» представало лишь «видимостью», не имеющей самостоятельного художественного значения, все поэтические средства были направлены на то, чтобы представить загадочную «изначальную» сущность с помощью намека, «внушающими» средствами. Естественно, что эта поэтика резко противопоставила символизм как идеалистическое течение господствовавшему в середине века духу натурализма, позитивизма, рационализма – прозе во всех значениях этого слова.

Американская литература 2 половины 19 века развивалась активно. В 60-е гг. (гражданская война между С и Ю, на хлопковых плантациях работали рабы – негры и их потомки – социальное неравенство). Это время двойственного отношения к Америке.

Твен Марк (псевдоним Самуэля Ланггорна Клеменса) — американский писатель. Родился в семье мелкого торговца. Марк Твен это псевдоним его профессионального занятия. Он работал лоцманом на Миссисипи. Оставался затем до конца жизни страстным противником рабовладения.

Свою литературную деятельность Т., как и большинство американских писателей начал с журналистики. Он писал очерки, печатал их в журналах («Простаки»).

Твен защищал демократические свободы, пропагандировал разумное отношение к действительности, боролся с предрассудками, скептически относился к фанатической вере, набожности. «Путешествие капитана Стронфилда в рай» - о современном американце, жизнь в раю для которого однообразная, скучная, пища постная, выпивки нет, азартных игр нет, курить нельзя. Капитан убеждён, что далеко не благая жизнь на Земле интереснее скучной в раю.

Марк Твен первым среди американских писателей ездил по стране и выступал как чтец, вёл огромную корреспонденцию. Человек с блестящим чувством юмора, но юмор у него специфичный. Юмор проявляется не столько в языке, в стилистических приемах, сколько в комических ситуациях (в «Приключениях Тома Сойера» на выпускном опустили кошку на голову учителю, «Укрощение велосипеда»).

Творчество Твена очень разнообразно. Он оставил более 25 томов произведений различнейших жанров, от легких очерков до толстых исторических романов.

Твен начал писать в 60-х гг., в период экономического подъема США. Вера в американскую демократию, в превосходство американской конституции над европейской государственностью красной нитью проходит сквозь все его произведения раннего периода. Он саркастически высмеивает нравы и обычаи  Старого Света («Простодушные за границей», «Путешествие за границу»).

Мировую славу Т. создали романы о Томе Сойере и его товарище Геккльберри Финне. Первый из этих романов — «Приключения Тома Сойера»— прозвучал свежим и новым словом в американской литературе для юношества. Юные герои романа Т. наделены предприимчивостью, смелостью и воображением, переживают различные приключения, совершают «подвиги», — они увлекают своей энергией и непосредственностью. Все это делает понятным, почему Том Сойер был и остается до сих пор одной из любимых книг юношества всех стран и с увлечением читается также и взрослыми. Продолжением «Тома Сойера» служат «Приключения Геккльберри Финна». Здесь очень ярко разработаны образы обоих мальчиков. Это не только живые и яркие индивидуальные характеры, но и представители определенной социальной среды. Буржуазный мальчик Том Сойер противопоставлен Гекку — сыну пьяницы и бродяги, презирающему буржуазную мораль. Другие известные романы: «Принц и нищий», «Янки при дворе короля Артура».

Самого Т. не удовлетворяла деятельность не только юмориста, но даже и сатирика, особенно к концу жизни. Он пишет исторический роман «Жанна д’Арк». Роман почти лишен юмора и проникнут высоким пафосом утверждения героической личности Жанны д’Арк. Т. считал этот роман своим лучшим произведением, хотя по существу роман слаб. Но этот опыт — единственный в творчестве Т.: он вынужден был оставаться до конца жизни блестящим юмористом и поддерживать свою славу. Эта «неудача» личной писательской судьбы, а  также растущая социальная неудовлетворенность усиливают пессимистическое настроение Т., нашедшее выражение в его позднем творчестве. Так, глубоким пессимизмом проникнуты его рассказы «Что такое человек» и «Таинственный незнакомец». Тот же пессимизм звучит, несмотря на юмористическую форму изложения, и в его «Автобиографии», вышедшей полностью в Америке лишь в 1924. Но этот Т. читателю неизвестен. С его именем связано представление о неистощимом рассказчике-анекдотисте, авторе романов о Томе и Гекке, а подлинная, большая трагедия писателя спрятана под веселым смехом его насыщенных юмором произведений.

Гоголь задумал монументальное произведение в трех томах, великую «национальную поэму». Он тремился показать не только современную Россию, но пытался заглянуть в ее завтрашний день, раскрыть положительные начала русской жизни, указать родине путь к спасению. В поэме Гоголя «Мертвые души» выведена целая галерея типажей, ставших нарицательными именами.

Характеристике различных типов русских помещиков посвящена почти половина первого тома поэмы. Гоголь создает пять характеров, пять портретов, которые так не похожи друг на друга, и в то же время в каждом их них выступают типичные черты русского помещика. Образы помещиков, которых посещает Чичиков, представлены в поэме контрастно, поскольку несут в себе различные пороки. Один за другим, каждый духовно ничтожнее предшествующего, следуют в произведении владельцы усадеб: Манилов, Коробочка, Ноздрев, Собакевич, Плюшкин. Если Манилов сентиментален и слащав до приторности, то Собакевич прямолинеен и груб. Писатель создает многочисленные варианты социального упадка и духовного омертвения. Привычка жить за счет крепостных крестьян, праздность и беззаботность по-разному проявляются у Манилова и Ноздрева. У Манилова они формируют слащавую сентиментальность, бесхарактерность, отвлеченную мечтательность. У Ноздрева, напротив, выражаются во внешне неуемной энергии и удальстве, участии во всевозможных историях, драках, попойках. Но деятельность Ноздрева также бесцельна, как мечты Манилова. Сходными и вместе с тем глубоко различными являются и характеры Коробочки и Собакевича. Эти герои погружены в заботливое, рачительное хозяйствование, которое, однако, будучи лишено всякого гуманного содержания, так же эгоистично, как и существование Манилова и Ноздрева, выливается в накопительство и стяжательство и ведет к духовному омертвению.

Все персонажи поэмы сатиричны. Писатель умело выделяет «говорящую» деталь внешнего облика героя. Сразу создается зрительное впечатление живого лица: сходство с медведем, косолапость Собакевича, расплывчатость черт пустослова Манилова. Не меньше поражает гоголевская способность вложить в уста тупых обывателей «разоблачительные» речи. Любой из них, разумеется, высказывает о своем и по-своему. Все они и не подозревают о том, что обычные, привычные их разглагольствования обнаруживают прежде всего их убогость, глупость, грубость, ханжество. В «Мертвых душах» все: затейливые фамилии, предметы быта – выполняют резко обличительную функцию.

Галерею образов завершает образ Плюшкина. Этот герой не столько смешон, сколько страшен и жалок, так как в отличие от предыдущих персонажей он утрачивает не только духовность, но и человеческий облик. Чичиков, увидев его, долго гадал, мужик это или баба, и, наконец, решает, что перед ним ключница. А между тем это помещик, владелец более чем тысячи душ и громадных кладовых. Писатель очень точно прослеживает деградацию человека, и читатель понимает, что человек не рождается чудовищем, а становится им.

Все гоголевские помещики – характеры яркие, индивидуальные, запоминающиеся. Но при всем их внешнем разнообразии суть остается неизменной: владея живыми душами, сами они давно превратились в души мертвые. Истинных движений живой души мы не видим ни в пустом мечтателе, ни в крепколобой хозяйке, ни в «жизнерадостном хаме», ни в похожем на медведя помещике. Все это лишь видимость с полным отсутствием духовного содержания, потому эти герои и смешны.

Тема любви - одна из излюбленных тем русской и мировой литературы. По мнению русских писателей, все счастье, выпавшее в жизни человека, проистекает из любви; в любви заключается мировая тайна. Любовь - это философский камень, который обладает свойством все превращать в золото, в добро. Но очень часто многие пугаются этого чувства и отвергают его. Одним из таких героев является Евгений Онегин – человек, который прожигал свою жизнь в ресторанах, театрах, на балах, в быстротечных романах с женщинами. Такой образ жизни был ему привычен. Не смогла изменить его взгляды и любовь юной Татьяны Лариной. Онегин, получив от девушки письмо с признанием, дает ей «отповедь». Переломным моментом в жизни героя становится дуэль с Ленским. Убийство юного друга переворачивает все миропонимание Онегина. Он отправляется в странствия, в результате которых его натура во многом «перерождается». Вновь встретив уже замужнюю Татьяну, Евгений внезапно влюбляется в нее. Теперь он пишет героине письмо, мечтает «поминутно видеть вас, // Повсюду следовать за вами...». Но Татьяна, все еще любя, отвергает Онегина. Она считает недостойным изменять мужу, в верности которому поклялась перед Богом. Поэтому и отказывает Онегину.

Финал романа остается открытым. Мы не знаем, что будет дальше с героями. Но можем сказать, что «испытание любовью» открыло, насколько изменился Онегин. Обстоятельства раскрыли истинные качества его натуры, показали, что герой больше не зависит от мнения света, что он стал сильным, независимым, цельным человеком, способным на глубокие искренние мысли и чувства.

Ещё одним героем, прошедшим через «испытание любовью», является Печорин Лермонтова («Герой нашего времени»). Этот герой только во время прощания с Мери понял, что он не только мог бы полюбить, но и любит эту девушку. Однако он боится, что не сможет полюбить надолго, не сможет дать Мери то, чего она заслуживает и тем самым причинит девушке еще большую боль. Но прощание с ней он вспоминает, находясь в крепости.

Печорин спрашивает себя: «Отчего я не хотел ступить на этот путь, открытый мне судьбою, где меня ожидали тихие радости и спокойствие душевное?». Вопреки своему сердцу, реальному состоянию эмоций Печорин «бежит» от Мери. Однако насилие над своими чувствами не проходит даром, ведь это вызов жизни, «бунт» против неё. В таких случаях жизнь мстит за себя: в крепости Печорин пытается заглушить тоску сердца любовью к «дикарке» Бэле, но очень скоро убеждается в бесплодности своих усилий. Печорин не способен полюбить, он боится истинного чувства, боится довериться другому человеку, поэтому он остается несчастным и умирает несчастным по дороге в Персию. Можно сказать, что этот герой не прошел «испытания любовью».

Любовь стала самым большим испытанием в жизни главного героя романа Тургенева «Отцы и дети». Базаров, отрицавший это чувство и презиравший людей, которые его испытывали, влюбился сам. Влюбился сильно, страстно, со всей мощью, на которую была способна его натура. Любовь к Одинцовой заставила Евгения Васильевича пересмотреть свои взгляды, прежде всего, на самого себя. Так значит, любовь существует? Больше того, ей подвержены все люди и даже такие выдающиеся, как Базаров?

Герой причислял себя к способным и сильным людям, в чем-то даже необыкновенным. Он думал, что он-то уж сможет контролировать ситуацию и все подчинять доводам разума. Но не тут-то было. Встреча с Анной Сергеевной Одинцовой вмиг все перевернула.

Герой испытывает к ней смешанное чувство. С одной стороны, это сильная любовь, а с другой – злоба и даже ненависть: «Базаров уперся лбом в стекло окна. Он задыхался; все тело его видимо трепетало. Но это было не трепетание юношеской робости, не сладкий ужас первого признания овладел им: это страсть в нем билась, сильная и тяжелая - страсть, похожая на злобу и, быть может, сродни ей...»

С этого момента нигилистические теории в жизни героя отошли на второй план. Он стал заниматься медициной и естественными опытами. Вскоре, поранив палец, Базаров заражается тифом и умирает. Последней, кого он захотел видеть, была Одинцова. Только ей Евгений Базаров открывается полностью и только ее просит: «Дуньте на умирающую лампаду, и пусть она погаснет...»

«Испытание любовью» - один из распространенных приемов в отечественной литературе. Он позволяет глубже раскрыть характер героев, выявить их сильные и слабые стороны, показать их преображение или деградацию, проследить их развитие. Кроме того, «испытание любовью» помогает выявить авторское отношение к герою, авторский взгляд на мир.

Основная часть поэмы А. Ахматовой «Реквием» создавалась в 1935-1940 годах. Это произведение посвящено времени «большого террора», страданиям репрессированного народа. Слово «реквием» (лат.) значит «заупокойная месса» - католическое богослужение по умершим, а также траурное музыкальное произведение.

Поэма состоит из десяти стихотворений, прозаического Предисловия, названного Ахматовой «Вместо предисловия», Посвящения, Вступления и двухчастного эпилога. Кроме того, поэме предпослан эпиграф из стихотворения «Так не зря мы вместе бедовали…».

Сюжетный центр поэмы— 5 и 6 главы. Обе они посвящены сыну и движению Времени — времени его заключения. Этим двум центральным главам предшествуют четыре коротких, в которых звучат различные голоса. Первый — женщины из российской истории, может быть петровской эпохи; второй— женщины из русской (казачьей) народной песни; третий — женщины из трагедии, близкой по стилю к шекспировской; четвёртый— некий голос, обращающийся к Ахматовой десятых годов и к Ахматовой тридцатых годов 20 века.

Каждое из десяти стихотворений, составляющих поэму, лирическое. Почти каждой главке поэмы свойственна фрагментарность. Это может быть отрывок народно-исторического сюжета, песня, без начала и конца, фрагменты из Евангелия.

После обширного «Посвящения», раскрывающего адресатов поэмы, следует «Вступление». Оно, в отличие от «Посвящения», в котором речь идёт о женщинах, разлучённых с арестованными, обращено непосредственно к тем, кого они оплакивают, то есть к уходящим в лагеря или на расстрел.

И только после «Вступления» начинает звучать конкретная тема «Реквиема» - плач Матери по Сыну. А. Ахматова придаёт сцене прощания широкий смысл. Прощаясь с сыном, она имеет в виду не только себя, но и тех, с которыми вскоре сведёт её тюремная очередь. Говоря о «стрелецких жёнках», воющих под кремлёвскими башнями, она тем самым показывает кровавую дорогу, которая тянется из глубины времён в современность. Эта кровавая дорога никогда не прерывалась. А в то время она стала ещё более широкой.

Затем в «Реквиеме» неожиданно появляется мелодия, напоминающая колыбельную. Мотив колыбельной, связанный с Доном, подготавливает другой, ещё более страшный мотив – безумия, бреда, полной готовности к смерти или самоубийству:

Сама трагично возникающая в «Реквиеме» ситуация Матери и казнимого Сына неизбежно соотносилась в сознании А. Ахматовой с евангельским сюжетом. Она расширила рамки поэмы до вселенского, общечеловеческого масштаба. С этой точки зрения стихотворение «Распятие» можно считать философским центром произведения. Каждая из матерей, потерявших сына, подобна Богоматери. Поэт слышит речь Иисуса (и своего сына), но не слышит голоса Матери. Нет таких слов, которые способны передать её состояние, ощущение вины, её бессилие при виде страданий и смерти сына. В образе Богоматери сливаются все матери мира, детей которых убивают. И если Иисусу — смерть, ей — страдания: старость, страх, молитва.

Богоматерь уже много веков оплакивает каждого невинно гибнущего ребёнка, и любая мать, теряющая сына, степенью своей боли как бы сближается с ней. Постепенно к «Эпилогу» голоса сливаются: голос матери и поэта начинают звучать нераздельно.

Эпилог, состоящий из двух частей, сначала возвращает читателя к мелодии и общему смыслу «Посвящения» и «Предисловия». Здесь мы вновь видим образ тюремной очереди, но уже обобщённый, символический:

Узнала я, как опадают лица,

Как из-под век выглядывает страх.

Как клинописи жесткие страницы

Страдание выводит на щеках.

Вторая, заключительная часть «Эпилога» развивает хорошо известную в русской литературе тему памятника. Но у А. А. Ахматовой она приобретает совершенно необычный, глубоко трагический облик. Никогда ещё в русской и мировой литературе не возникало столь необычного образа Памятника Поэту, стоящему по его желанию, у Тюремной Стены. Это памятник всем жертвам репрессий, замученным в страшные 30-е годы:

А здесь, где стояла я триста часов,

И где для меня не открыли засов.

Затем, что и в смерти блаженной боюсь

Забыть громыхание черных марусь.

Основная идея комедии Гоголя «Ревизор» – обличение пороков российского чиновничества. Уездный город, где происходят события произведения, – это зеркало страны, типичный, не частный случай. Порядки города N – следствие бюрократической системы современной писателю России, когда служили лицам, а не делу, когда каждый, или почти каждый, находясь на службе, старался обмануть другого. Взятки, ничегонеделанье были в порядке вещей, вспомним, например, что, заискивая перед лжеревизором, городничий ловко подсовывает Хлестакову вместо двухсот рублей четыреста и радуется, когда тот берет деньги. Сам Гоголь замысел «Ревизора» определил так: «В «Ревизоре» я решил собрать в кучу все дурное в России, какое я точно знал, все несправедливости... и за одним разом посмеяться надо всем».

В связи с этим связана необычность общественного конфликта «Ревизора», который выражается в раскрытии внутренней противоречивости, несостоятельности и нелепости общественного устройства. Оригинальность конфликта комедии заключается в том, что в пьесе нет положительного героя. Положительный идеал автора формируется на основе негатива: отрицания реалии русской жизни, обличения и высмеивания пороков.

Главное действие пьесы разворачивается вокруг одного события – в уездный город едет ревизор из Петербурга, причём едет он инкогнито. Это известие будоражит чиновников: «Как ревизор? Вот не было заботы, так подай!», и они начинают суетиться, пряча свои «грехи» к приезду проверяющего. Особенно старается городничий - он спешит прикрыть особенно большие «дыры и прорехи» в своей деятельности.

За ревизора принимают мелкого чиновника из Петербурга Ивана Александровича Хлестакова. Хлестаков ветрен, легкомыслен, «несколько приглуповат и, как говорят, без царя в голове», и сама возможность принять его за ревизора - абсурд. Именно в этом и заключается своеобразие интриги комедии «Ревизор».

Поначалу Хлестаков даже не понимает, что его принимают за высокопоставленного государственного служащего. Он ничего не делает для того, чтобы обмануть провинциальных чиновников, они сами себя обманывают («сами себя высекли»). Чиновникам важно только то, чтобы не обнаружились их «грешки». Комичны эпизоды, где каждый из городских чиновников приходит к Хлестакову и делает упор на грехи другого, стараясь спрятать свои.

Мнимому ревизору ничего не остаётся, кроме как вести себя в соответствии с поставленными условиями. В обществе городничего и чиновников он чувствует себя все более свободно: запросто обедает у городничего, ухаживает за его женой и дочкой, «одалживается» у чиновников, принимает «приношения» от «рядовых» просителей. Постепенно Хлестаков входит во вкус: если сначала он робко выпрашивает обед, то от Бобчинского и Добчинского он требует «денег нет у вас?», выдумывает себе фантастическую карьеру и жизнь.

С образом Хлестакова связано понятие «хлестаковщины». Это воплощение желания сыграть роль повыше той, что тебе предназначена. Кроме того, это еще и воплощение пустоты существования, ничтожество, возведенное в n-нную степень, как сказал Гоголь: «возникшая до высшей степени пустота».

Наташа Ростова – одна из главных героинь романа Л. Н.Толстого «Война и мир». В этом образе Толстой воплотил свое идеальное представление о женщине. Все герои Толстого показаны в развитии, в эволюции, в том числе и образ главной героини. Впервые мы встречает Наташу у себя дома в гостиной: маленькая тринадцатилетняя девочка, «черноглазая, с большим ртом; некрасивая, но живая».

Она жизнерадостна, естественна, непосредственна. Автор противопоставляет ей красоту Элен, но эта красота холодная. Важна красота не внешняя, а внутренняя, и Толстой подчеркивает богатство внутренней натуры Наташи: одаренность, способность понять, прийти на помощь, чуткость, тонкая интуиция.

Непосредственность и искренность Наташи Ростовой обновляют душу любого человека. В ней царствует гармония духовного и телесного, естественного и нравственного. У нее есть высший дар женской интуиции – нерассудочное ощущение правды. Жизнь Наташи свободна и раскованна, а все поступки согреты теплотой нравственности, воспитанной русской атмосферой дома Ростовых. Наташу все любят, все желают ей добра, потому что сама Наташа всем делает только добро. Она живет не умом, а сердцем. Но и сердце несколько раз подталкивало Наташу на ошибки. Пьер не может понять, как Наташа могла променять Болконского на «дурака» Анатоля. В Анатоле Курагине притягивала свобода и независимость. Именно поэтому под его влияние попала Наташа. Она хочет жить свободно, без принятых условностей. Ошибка Наташи спровоцирована не только Анатолем, но и князем Андреем. В нем оказалось слишком много духовности и обязательности, чтобы понять непосредственную силу чувств. История с Анатолем приводит Наташу к душевному кризису и одиночеству, которое для нее непереносимо. В это время она живет в полусне, пробуждаясь лишь для того, чтобы молить судьбу и небо о снисхождении к ней: научи меня, что мне делать, как мне исправиться навсегда, навсегда, как мне быть с моей жизнью…».

Военные события в стране дают ей первое испытание и отдохновение. Общенациональная беда заставляет Наташу забыть о своей личной трагедии. Она полностью забывает о своем «я» и подчиняет жизнь служению другим: раненым, умирающему Болконскому, больной матери. Не задумываясь, Наташа отдает все подводы раненым, оставляя вещи, и не представляет, что можно поступить иначе в данной ситуации.

Наташа близка к народу. Народное в ней очень естественно. Вспомним русскую пляску в имении дядюшки: «Дух и приемы были те самые, неподражаемые, неизучаемые, русские, которых и ждал от нее дядюшка…» Она любит народные песни, традиции, музыку. Все богатство натуры Наташи растворяется в материнстве и семье, она иначе жить не может.

В образе Наташи Ростовой Толстой воплотил идеал женщины. Он дал ей все те качества, которые необходимы женщине, жене, матери. Толстой воплотил в ней самые прекрасные, лучшие черты.

Поэма имеет реальную основу: 2 года Ахматова стояла в тюремных очередях. В 1935 году был арестован ее сын Лев, в 1939 – второй арест сына и мужа. Поэма «Реквием» - это дань памяти тем страшным годам и всем прошедшим с ней этот трудный путь, всем замеченным, всем родным осужденных. В поэме отражены не только личные трагические обстоятельства жизни автора, но и горе всех русских женщин, тех жен, матерей, сестер, что стояли с ней вместе 17 страшных месяцев в тюремных очередях в Ленинграде. Об этом говорит автор в предисловии к поэме – о моральном долге перед своими «сестрами по несчастью», о долге памяти перед безвинно погибшими:

Звезды смерти стояли над нами,

И безвинная корчилась Русь

Под кровавыми сапогами

И под шинами черных марусь.

Описать все ужасы ежовщины попросила ее незнакомая женщина, так же, как и Ахматова, стоявшая в тюремных очередях. Поэтесса откликнулась. А иначе и не могло быть, ведь как она сама говорит:

Я была тогда с моим народом,

Там, где мой народ, к несчастью, был.

Тема заступничества за миллионы матерей зазвучала из уст Ахматовой. Личное переживание автора тонет в общенародном страдании:

Нет, это не я, это кто-то другой страдает.

Я бы так не могла, а то, что случилось,

Пусть черные сукна покроют,

И пусть унесут фонари…

Ночь.

Через всю поэму проходит судьба матери и сына, образы которых соотнесены с евангельской символикой. В поэме расширены временные и пространственные рамки сюжета, которые показывают общечеловеческую трагедию. Мы видим то простую женщину, у которой ночью арестовывают мужа, то библейскую Мать, сына которой распяли. Вот перед нами простая русская женщина, в памяти которой навсегда останется плач детей, оплывшая свеча у божницы, смертный пот на челе любимого человека, которого уводят на рассвете. И так же она будет плакать по нему, как когда-то плакали стрелецкие «женки» под стенами Кремля. То в образе лирической героини проступают черты самой Ахматовой, которая не верит, что все происходит именно с ней – «насмешницей», «любимицей всех друзей», «царскосельской грешницей».

Арестовывают невинных людей, и все сильнее матери невольно обращаются к смерти. После «каменного слова» - приговора – нужно научиться дальше жить, надо убить память, сделать душу окаменелой. И мать снова думает о смерти, как о спасении, только о смерти своей. Лишь смерть сможет спасти ее от страданий и от душевной пустоты, так как эти страдания сравнимы лишь со страданиями Матери Иисуса, также потерявшей Сына. Но она понимает, что это не выход, и не позволяет смерть унести с собой:

Ни сына страшные глаза –

Окаменелое страданье,

Ни день, когда пришла гроза,

Ни час тюремного свиданья,

Ни милую прохладу рук

Ни лип взволнованные тени,

Ни отдаленный Легкий звук,

Слова последних утоливший.

Получается, надо жить ради того, чтобы назвать поименно тех, кто погиб в сталинских застенках, помнить, вспоминать всегда и везде стоявших «и в лютый холод, и в июньский зной под красною ослепшею стеной».

Свой долг Поэта Ахматова выполнила с честью – воспела и возвеличила страдания тысяч матерей, которые стали жертвами кровавого произвола.