Archive > июня 2012

Слава к Джеку Лондону пришла, когда он создал «северные рассказы». Это были первыми произведениями молодого Лондона, имевшими большой успех у читателей. Эти рассказы рисуют исключительно яркий, своеобразный мир, полный действия, энергии, человеческой активности.

Это цикл, вобравший впечатления о золотой лихорадке к.1780 – н.1790-х гг. Аляска. Жестокие условия быта, когда человек на грани голодной смерти, таёжные леса. Колорит оттеняло мужество, смелость героев.

Джек Лондон вышел из глубин. У него разнообразный жизненный опыт (моряк, китобой), он сам знал мир золотоискателей – мир алчности.

Множество людей разных характеров, возрастов, национальностей, вероисповеданий выступает в них. Золотоискатели, охотники, погонщики собак, проводники, авантюристы, бродяги. По своему содержанию рассказы отличаются большим разнообразием. Одни из них посвящены человеческому героизму, другие - человеческой жестокости. Они говорят о приключениях, о борьбе с природой, о страсти к золоту, о воле к жизни, о вере в человека. Одна из ведущих тем северных рассказов Лондона - это тема романтического противопоставления природы и цивилизации.

Капиталистическому обществу с его собственнической моралью писатель противопоставляет дикий, суровый Север, где жизнь труднее, но свободнее.

В цикл входит тема изображения коренного населения – индейцев. Например, предание о маленьком Кише о том, как индейский мальчик спасает племя. То, что добывалось на охоте, становится недоступно, и он придумывает, как превратить в добычу медведя: китовый ус сворачивает в спираль, намазывает салом и сгибает. Медведь находит эту добычу, ест, а в желудке китовый уст распрямляется.

Мир, где уживается жестокость и гуманизм – это сфера Джека Лондона.

Мысль о благотворном воздействии Севера весьма настойчиво звучит в сборнике "Смок Беллью". Изнеженный, избалованный Смок приезжает на Аляску и затем перерождается. Север создает из него мужественного и смелого человека.

В этих рассказах подчеркивается, что общество развращает людей, делает их алчными, корыстными, а жизнь на лоне природы очищает и исправляет их.

Лондон неодинаково относится к своим героям. Обычно он очень четко разграничивает свои симпатии и антипатии. Одних одобряет, других любит, третьих порицает

Во многих его рассказах звучит тема разлагающего влияния денег на человеческую психику. В погоне за богатством люди превращаются в фанатиков и изуверов. Таков Джекоб Кент из "Человека со шрамом". Самовольно вселившись в хижину, не имевшую хозяина, он собирает плату с путников, останавливающихся в ней. Алчность его становится болезнью, убивающей в нем все человеческое. Кент превращается в одержимого.

Собственническим отношениям Джек Лондон противопоставляет "северную" мораль, основанную на товарищеском доверии и честности.

Положительный герой северных рассказов - образ собирательный. В нем сочетаются разные индивидуальные особенности, свойственные многим персонажам.

Рядом с мужчинами встают замечательные женские образы. Во многих рассказах ( "По праву священника", "Женское презрение", "Мужество женщины" и др.) женщины занимают центральное место и являются подлинными героинями. Таков рассказ о мужестве индианки от лица белого человека, вспоминавшего свою погибшую жену. Они шли через лес. Индианка шла впереди, чтобы облегчить ход мужу. Один раз удалось подстрелить куропатку. В конце концов женщина, которая ни разу не пожаловалась, умирает, передав мешочек с едой, которую сохранила.

Лондон ценит у женщин упорство, силу воли, способность преодолевать трудности.

К циклу северных рассказов близко примыкают две повести о животных: "Зов предков" (1903) и "Белый клык" (1906). В них Лондон изображает животных с таким мастерством, которое редко можно встретить в мировой литературе. Исключительно глубокое проникновение в психологию животных, прекрасное знание их инстинктов позволили создать Лондону одно из лучших произведений в анималистской литературе.

Очень сильно звучат в повести гуманистическое мотивы. Писатель решительно выступает за гуманное отношение к животным. Животные для него не только помощники человека, но самые близкие друзья и товарищи. Ему ненавистны те люди, которые жестоки к ним.

Вторая половина 19 века в Европе стремится к экспериментам (фр. экспрессионизм). В Англии на рубеже 70-80-х гг возникло в первую очередь среди живописцев направление прерафаэлитов. Целый ряд художников усваивали приёмы ранневозрожденческих художников. Это повлияло и на Оскара Уайльда. Он пишет эстетический роман «Портрет Дориана Грея».

В этой книге авторский вымысел не ограничен строго рамками достоверности, и реальность очень своеобразно переплетается с фантастикой. Собственно, в истории красивого молодого человека Дориана Грея, послужившего моделью художнику Бэзилу Холлуорду для его лучшего портрета, а затем ставшего под влиянием лорда Генри Уоттона неисправимым себялюбцем и безразличным к морали искателем удовольствий, скатившимся на путь порока, - в этой истории все вполне правдоподобно и укладывается в рамки достоверности. Фантастично то, что человек и портрет как бы поменялись ролями. Юный красавец Дориан Грей высказывает пожелание, чтобы он навсегда остался внешне таким же, как в момент завершения его портрета, и с этого мига на протяжении двадцати лет действия романа он сохраняет все очарование юности, а портрет, спрятанный в его доме, отражает его настоящую жизнь, накапливая следы времени, порока и преступлений.

В «Портрете Дориана Грея» явная перекличка с романтизмом. Здесь судьба художника и его творений. Бэзил Холлуорд – талантливый живописец, который написал волшебный портрет. Мотив двойничества также сближает с романтизмом: двойную жизнь ведёт Дориан Грей: для всех он благопристойный светский молодой человек, но для себя он знает, что его жизнь проходит в притонах, среди отребья, на его совести смерти, нет ничего святого, единственный смысл жизни – удовлетворение собственного тщеславия. Дориан усваивает внушённые ему мысли философа, что красота – единственная ценность, она оправдывает всё, не связана с ответственностью, этикой.

Роман прославляет красоту и сам написан замечательно. Красота входит в 2 вариантах: природная (английский парк) и творчество, создания художника (это то, во что преображается талант, результат души и умений). С романтизмом сближает и сказочный мотив, в результате которого живой человек и его изображение меняются местами. Мотив портрета – интересная вещь (похожая повесть Гоголя о художнике Черткове).

Очень важная мысль о том, что деградация искусства впрямую связана с упадком высокого искусства лжи, иллюстрируется и доказывается в романе эволюцией актрисы Сибиллы Вейн. Не ведавшая, что такое любовь, девушка прекрасно фантазировала на сцене, лгала (в уайльдовском смысле), с успехом играя роли многих шекспировских героинь. Узнав истинное чувство, полюбив Дориана, она переживает резкий «упадок искусства лжи», в результате чего с ней как с актрисой происходит трагическая метаморфоза: она начинает играть из рук вон плохо (что фиксирует даже добрейший Холлуорд). Она произносит еретические слова о том, что искусство – только бледное отражение подлинной любви, и Дориан жестоко отлучает ее от церкви: «Без вашего искусства вы – ничто». В отчаянии она отравляет себя.

Понятие «прекрасное» и «красота» (Уайльд пишет это слово с заглавной буквы) ставятся в предисловии на самую верхнюю ступень ценностей. Поучения лорда Генри и их воплощение – жизнь Дориана – как будто вполне соответствует такой расстановке. Дориан красив, и красота оправдывает все негативные стороны его натуры и ущербные моменты его существования. Тот, кто покушается на Красоту, - независимо от причин и помыслов – сам становится жертвой, как, например, Джеймс Вейн, брат несчастной Сибиллы.

Портрет Дориана, как всякое истинное произведение искусства, отражает его истинную сущность; искусство — вот правдивое свидетельство, вот верное зеркало жизни героя. Попытка Дориана в финале романа уничтожить надежно спрятанный портрет завершается его собственной гибелью, а произведение искусства неуничтожимо. Портрет в своей первозданной красоте будет жить вечно:

Войдя в комнату, слуги увидели на стене великолепный портрет своего хозяина во всем блеске его дивной молодости и красоты. А на полу с ножом в груди лежал мертвый человек во фраке. Лицо у него было морщинистое, увядшее, отталкивающее. И только по кольцам на руках слуги узнали, кто это.

Таким образом, в самом сюжете романа заложена главная идея эстетизма о безусловном превосходстве искусства над реальной жизнью. Искусство как воплощение прекрасного вечно, и потому погибает герой, а остается жить прекрасный, как и в момент окончания работы художника, портрет. Все как будто бы согласуется с теоретическими воззрениями писателя.

Заглавный герой в ответ на вопрос герцогини Монмутской, помогла ли ему философия лорда Генри найти счастье, говорит, что «никогда не искал счастья», искал лишь наслаждений, но находил их «слишком часто». В другой беседе Грей признается своему учителю, что «был бы рад поменяться с любым человеком на свете» и что убитый человек счастливее его. Он тяготится своей «чудесной жизнью», признается он один раз, что «так жить больше не хочет» и даже упрекает лорда Генри за то, что он однажды «отравил» ученика книгой.

«Портрет Дориана Грея» - это эстетический роман в высшем смысле, не пропагандирующий эстетическую доктрину, а выявляющий ее опасности. Своим романом автор заявляет, что жизнь, управляемая одной лишь чувственностью, анархична и саморазрушительна.

В октябре 1935 года Гоголь обратился к Пушкину с просьбой дать ему какой-нибудь «чисто русский анекдот» в качестве сюжета для комедии. Пушкин поделился с Гоголем сюжетом о чиновнике, который в провинциальном городе был принят за важную государственную особу. Перо Гоголя превратило анекдот в комедию огромного обобщающего смысла.

Действие комедии разворачивается в глухом провинциальном городке, но порядки, укоренившиеся в нем, и происходящие события показаны не как частное явление, а как следствие крепостнической и бюрократической системы России. Нарисованный Гоголем мир отражает важнейшие части этой системы: суд, народное образование и просвещение, больницы, полиция, почта…

Предметом осмеяния выступают власти города, ожидающие в связи с приездом ревизора расплаты за свои темные делишки… Гоголь подчеркивал, что «испуг каждого из действующих лиц не похож один на другой, как не похожи их характеры». У них у каждого неповторимые индивидуальные особенности. Так, например, карикатурное «вольтерьянство» судьи Ляпкина-Тяпкина, прочитавшего на своем веку 5 или 6 книг и «потому несколько вольнодумного», чрезвычайного охотника до «глублокомысленных догадок» и подводящего под свое взяточничество некое идейное основание: «я говорю все открыто, что беру взятки, но чем!... Борзыми щенками. Это совсем иное дело!». Попечитель богоугодных заведений Земляника, несмотря на свою толщину и внешнюю неповоротливость, - большой «проныра и плут», он очень услужлив и суетлив, любит доносить на своих сослуживцев. Почтмейстер Шпекин – «простодушный до наивности человек», обожающий читать чужие письма, наиболее понравившиеся даже оставляет себе на память и читает вслух своим знакомым. Наиболее разносторонне раскрыт характер городничего. Он, «более всего озабочен тем, чтобы не пропускать того, что плывет в руки». Ему вверен город, и он распоряжается в нем полновластно, сделавшись главой целой корпорации мошенников. Он считает взяточничество вполне естественным явлением, определяемым только чином и общественным положением взяточника. «Смотри! Не по чину берешь!» - говорит он квартальному. Он спокойно кладет себе в карман деньги, отпущенные на строительство церкви. В ожидании ревизора он вначале держится достаточно бодро, надеясь обмануть и его. Панический страх охватывает городничего лишь при вести, что ревизор инкогнито живет в городе две недели. Гоголь достигает замечательного комического эффекта, показывая поспешные старания «отца города» кое-как прикрыть «дыры и прорехи». Заискивая перед высокой государственной особой, городничий ловко подсовывает Хлестакову вместо двухсот рублей четыреста и радуется, когда тот берет деньги. Можно сказать, что это уже стало нормой в городе. Но Гоголь неслучайно выбирает для действия комедии этот ничем непримечательный уездный город; тем самым он как бы подчеркивает, что подобные нравы распространены по всему государству, и в этом городе, как в капле воды, отражалась вся Россия. Такие городничие, судьи, попечители, почтмейстеры были в каждом малом и великом городе Российской империи. Поэтому смех Гоголя – это горький смех: ему было больно и стыдно видеть все это.

Герцен сказал: «Никто и никогда до него не написал такого полного курса патологической анатомии русского чиновника. Смеясь, он безжалостно проникает в самые сокровенные уголки этой нечистой, зловредной души».

Образ странствующего героя – один из ключевых образов русской литературы, олицетворение неспокойной, мечущейся России.

Мы обратимся к 4 произведениям русской литературы: «Путешествию из Петербурга в Москву» А. Н. Радищева; поэме Некрасова «Кому на Руси жить хорошо»; поэме «Мертвые души» Н. В. Гоголя и роману «Герой нашего времени» М. Ю. Лермонтова. Все эти произведения объединяют образ дороги и образ странника.

Сюжет «Путешествия из Петербурга в Москву» - история странствующего человека, который, следуя от станции к станции, познает весь ужас, всю несправедливость существующего крепостнического строя. Путешественник видит мучения народа, доведенного крепостниками до скотского, униженного состояния.

С героем-странником мы встречаемся и в поэме Некрасова «Кому на Руси жить хорошо». Повествование автор строит как рассказ о странствиях семи мужиков – правдоискателей. Живут герои поэмы в деревнях с говорящими названиями (Неелово, Заплатово, Дырявино, Разутово).

Герои Некрасова отправляются странствовать по Руси в поисках ответа на вопрос: «Кому живется весело, вольготно на Руси?» Сам факт того, что таким философским вопросом задались люди необразованные, неграмотные, занятые изнуряющим физическим трудом, свидетельствует о пробуждении сознания народа. Мужики – правдоискатели олицетворяют русский народ, стремящийся к истине. Благодаря странствующим мужичкам Некрасова мы знакомимся с пореформенной Русью в целом, с мужественным богатырем Савелием; кристально честным Ермилой Гириным и другими представителями крестьянской среды.

С образом героя-странника, но совсем другой формации, мы встречаемся поэме Н. В. Гоголя «Мертвые души». Если цель странников Некрасова благородна (поиск правды, истины), то Чичиков путешествует по Руси с целью приобретения мертвых душ, с целью обогащения. Образ странствующего героя позволил Н. В. Гоголю показать в своем романе «всю Русь»: чиновничью, помещичью, народную. Вместе с Чичиковым мы посещаем усадьбы помещиков: знакомится с мечтательным, слащавым Маниловым; недалекой Коробочкой; грубым, похожим на медведя, Собакевичем; скупым Плюшкиным; наглым кутилой Ноздревым.

Вместе с путешественником Чичиковым мы можем наблюдать нравы, царящие в чиновничьей среде. Чиновники отличаются низким уровнем культуры, стремлением к наживе. Благодаря герою-путешественнику мы получаем возможность побывать на балу губернатора; убедиться в том, как тяжело живется на Руси крепостным.

Героем-странником является и герой романа «Герой нашего времени» Печорин. Что подталкивает Печорина к странствиям? Печорин близок типу скитальцев-изгнанников. В разговоре с Мери Григорий Александрович признается, что светское общество не хотело верить в его чистоту, искренность, доброту, и тогда он стал скрытен, научился лгать, изворачиваться. Светское общество убило в Печорине все то доброе и хорошее, что в нем было.

Печорин пускается в странствия, руководимый желанием бегства от двуличного, развращенного общества; он хочет найти свое место в жизни; наполнить ее более глубоким смыслом. Однако вскоре Печорин убеждается, что можно привыкнуть и к свисту чеченских пуль, и здесь, на войне, ощущать скуку. Кроме того, он приходит к выводу, что любовь дикарки ничем не отличается от любви светской дамы.

Странствия Печорина символизируют неустроенность его жизни; отсутствие в ней истинного смысла. Итак, образ странствующего героя писателю продемонстрировать и раскрыть общественные нравы, а цель путешествий героев, их странствования помогает писателям углубить характеристику раскрываемых образов. Мы наблюдаем разные типы странников – правдоискателей (у Некрасова); странника-авантюриста (у Гоголя); скитальца – изгнанника (у Лермонтова).

В лирике Есенина выделяются два ведущих мотива: философский и патриотический. Именно они пронизывают всю лирику поэта.

«Не жалею, не зову, не плачу…» - одна из вершин есенинской поэзии. Проникновенный, пронзительный лиризм этого стихотворения, предельная душевная открытость, передача диалектики движений сердца, казалось бы, требовали единого «потока сознания», но стихотворение изобилует «земными образами». Содержание стихотворения одновременно конкретно и условно. Рядом с поэтическими деталями земного мира («белых яблонь дым», «страна березового ситца», «весенней гулкой ранью») – образ мифологический (розовый конь – символ восхода, весны, радости, жизни). Но и реальный крестьянский конь на заре становится розовым в лучах восходящего солнца. И хотя стихотворение кончается словом «умереть», акцентируется емкое слово «процвесть». Суть стихотворения – благодарственная песнь, благословение всего сущего за возможность жизни.

Родной край для Сергея Есенина – это средняя Россия, село Константиново Рязанской губернии. Это Русь деревенская, с крестьянским бытом и древними традициями, ее сказками и песнями, с диалектными словами, передающими своеобразие крестьянского говора, с красочным миром природы.

В стихотворении «В хате» каждая строчка наполнена деталями крестьянского быта, к которым бережно и трепетно относится поэт, так как это и есть та малая родина, где его корни, любовь к которой он пронесет через всю свою жизнь:

Вьется сажа над заслонкою,

В печки нитки попелиц,

А на лавке за солонкою –

Шелуха сырых яиц.

Деревня стала для Есенина религией, а русская изба – своеобразным храмом. Поэт готов отказаться даже от библейского рая во имя своей родины:

Если крикнет рать святая:

«Кинь ты Русь, живи в раю!»

Я скажу: «Не надо рая,

Дайте родину мою».

Пройдут годы, но и спустя десять лет в «Руси советской» он напишет о своем преклонении перед Россией:

Я буду воспевать

Всем существом в поэте

Шестую часть земли

С названьем кротким «Русь».

Поэт не думает о себе как о смертном человеке. Он скорее утверждает обратное: он будет жить и будет петь песнь о своей родине. И в этом он видит смысл своего бытия и бессмертие своей поэзии.

Слово «Русь» было всеобъемлющим у Есенина, оно как бы связывало для него историю с днем настоящим. И одновременно «Русь» конкретизировала представление о родине – милой его сердцу, деревенской, «избяной». Например, в стихотворении «Неуютная жидкая лунность…» та же Русь, та же любовь к России «золотой бревенчатой избы», к ее истокам. Но любовь эта выражается «от противного», любовь через отрицание «нищеты», отсталости, что тоже было традиционным для русской литературы.

Стихотворение 1918 года «Я покинул родимый дом…» также посвящено любимой родине. Здесь вновь появляется образ «голубой Руси». Причудливо переплетение эпитетов – природа проникает в человека и наоборот, образуя единое целое. Русская природа для Есенина ассоциируются с семьей – матерью и отцом, она ему настолько же родна:

В три звезды березняк над прудом

Теплит матери старой грусть.

Словно яблонный цвет, седина

У отца заплелась в бороде.

Много времени прошло, как Есенин не был на родине, и еще столько же пройдет: «Я не скоро, не скоро вернусь! Долго петь и звенеть пурге».

А в его отсутствие «голубую Русь» будет стеречь «старый клен на одной ноге». Но клен этот головой похож на лирического героя, и здесь он сомневается:

И я не знаю, есть радость в нем

Тем, кто листьев целует дождь,

Оттого, что тот старый клен

Головой на меня похож.

Стихотворение пропитано надрывной грустью, тоской, безысходностью и невозможностью что-либо исправить. Цветовая гамма стихотворения также способствует меланхоличному напеву: голубой, золото, яблонный цвет (бело-розовый), пурга (белый), листья (желтый), дождь (серый). Есенин также использует извечные символы грусти – дождь, старость, тихая вода.

Центральная тема романов форсайтовского цикла – упадок некогда могущественной и сильной английской буржуазии, крушение некогда прочного уклада ее жизни. Эта тема раскрывается на истории нескольких поколений семьи Форсайтов.

Три первых романа форсайтовского цикла охватывают период с 1886 по 1920 г. Движение времени, смена эпох фиксируются отраженными в романах событиями истории: англо-бурская война, смерть королевы Виктории, первая мировая война. События семейного характера перемежаются и связываются с историческими. Семья изображается как звено общественной жизни. Особенность каждого поколения определяется своеобразием эпохи. История Форсайтов перерастает в историю форсайтизма как общественного явления.

Для Голсуорси истинным Форсайтом является не только тот, кто носит эту фамилию, но каждый, кому свойственна собственническая психология и кто живет по законам мира собственников. Форсайта можно распознать по чувству собственности, по умению смотреть на вещи с практической стороны. Прирожденные эмпирики, Форсайты лишены способности к отвлеченному мышлению. Форсайт никогда не расходует зря энергию, не выражает открыто своих чувств. Форсайты – не творцы и не созидатели; «никто в их семье не пачкал рук созданием чего бы то ни было». Но они стремятся приобрести и захватить созданное другими. Это обстоятельство порождает основный конфликт романа «Собственник», заключающийся в столкновении мира красоты и свободы, воплощенного в Ирэн и Босини, и мира Форсайтов, находящихся «в безоговорочном рабстве у собственности».

Действие романа «Собственник» начинается в 1886 году – в пору наивысшего благополучия Форсайтов в условиях викторианской Англии. Родоначальником семьи был « Гордый Доссет», простой подрядчик, разбогатевший на строительных заказах. Его дети, шестеро братьев - Джолион, Джемс, Суизин, Николас, Роджер и Тимоти, преуспели в накоплении и приумножении оставленных им средств. В романах «Саги» действуют три поколения Форсайтов.

Открывающая «Собственника» глава – «Прием у старого Джолиана», содержащая великолепное по своему мастерству изображение Форсайтов, является исходной для развития основных сюжетных линий романа.

Демонстрация семейного благополучия Форсайтов становится в то же время и прелюдией к предстоящей драме. Процветающее «ядро нации» инстинктивно чувствует приближение опасности. В данный момент она связана с вторжением в их среду Босини – человека иного мира.

Воспроизводя портреты своих героев, Голсуорси через внешние черты раскрывает сущность их характера. Сухопарая, длинная фигура Джеймса Форсайта вполне гармонирует с его сухостью и с его «прямолинейным» восприятием окружающего. Во внешности Суизина – натуры примитивной и грубой – подчеркнута массивность, тяжелая окаменелость черт, квадратные плечи. Характерна застывшая презрительная гримаса на узком и бледном лице Сомса, его осторожная крадущаяся походка человека, который кого - то подстерегает. Голсуорси использует прием частого повторения, многократного упоминания одних и тех же наиболее характерных черт внешности героя, достигая этим особенно четкого зрительного образа (крупный, резко выступающий вперед форсайтовский подбородок, пышная копна волос Джун, яркие жилеты Суизина и т. д.).

В характеристике антагонистов форсайтовского мира Голсуорси придерживается иных принципов изображения и использует иные принципы, отказываясь от развернутого описания и прямой авторской оценки. Ирэн и Босини даны в романе прежде всего в описании Форсайтов.

Первый роман трилогии – «Собственник» - проникнут пафосом критики мира собственников. В нем преобладает сатирическое начало, проявившееся прежде всего в образе Сомса Форсайта. Сомс – наиболее полное и яркое воплощение форсайтизма. Способный и умный от природы, Сомс направляет всю свою энергию на накопление капитала. Ради этого он отказывается от государственной службы, предпочитая, как и его отец, практику присяжного поверенного. Сомс поддерживает только деловые связи; у него нет друзей, и он не испытывает потребности духовного общения с кем бы то ни было, кроме Ирэн, всегда уклоняющейся от такого общения, остающейся недоступной и далекой. Собственническое начало подавляет человека в Сомсе, мешает раскрытию лучших свойств его личности. Но он неизменно безупречен в сфере своих деловых отношений. Его не поддающаяся никаким соблазнам профессиональная честность основана на природной осторожности и врожденном отвращении к риску.

В отличие от многих других Форсайтов (Суизин, Тимоти, тетушки Джули и Эстер), Сомс соединяет в себе противоречивые черты. Обращает на себя внимание странная настороженность в выражении его замкнутого лица, тоска во взгляде, порожденная неудовлетворенностью его чувства к Ирэн. Любовь и красота недоступны Сомсу, хотя всем существом своим он стремится к обладанию ими.

Страдания Сомса не делают его прозорливым. Лишь на мгновение «он предал в себе Форсайта – забыл самого себя… поднялся в чистые высоты бескорыстия и непрактичности». Это случилось тогда, когда он убеждается в том, что, уйдя из его дома, Ирэн не взяла с собой подаренные ей драгоценности. Читая оставленную ею записку, Сомс понимает, что и она страдает. В этот момент человек одерживает в нем верх над собственником. Но только на одно мгновение. В конце романа собственник уже вновь готов торжествовать победу.

Финал романа многозначителен. Босини затравлен; он погибает. Убитая горем Ирэн возвращается в дом Сомса. Однако победа Форсайта мнимая.

Творчеству Голсуорси свойственны широкий эпический размах, значительность социально-психологических обобщений, мастерство и тонкая наблюдательность в изображении повседневной действительности, критицизм, сочетающийся с проникновенным лиризмом.
49. Пьесы Б. Шоу

Бернард Шоу - ирландский драматург, философ и прозаик, выдающийся критик своего времени и самый прославленный — после Шекспира — драматург, писавший на английском языке. Шоу уже в молодости решил зарабатывать на жизнь литературным трудом, и хотя рассылаемые статьи возвращались к нему с удручающей регулярностью, он продолжал осаждать редакции.

В 1885 году Шоу делает наброски своей первой пьесы «Дома вдовца», затем «Профессию г-жи Уоррен» и третью пьесу «Волокита» (1893) Шоу объединил в цикл, который он назвал «Неприятными пьесами». Это были годы, когда Шоу искал отклика на обуревавшую его ненависть к капитализму всюду. Не удивительно, что «Неприятные пьесы», написанные в таком настроении и с такими мыслями, отличаются беспощадным реализмом и навсегда останутся одной из вершин английской драматургии.

Следующий цикл Шоу – «Приятные пьесы». В него вошли «Война и человек» (1894), «Кандида» (1895), «Избранник судьбы» (1895) и «Никогда вы не можете сказать» (1895). Название «Приятные пьесы» исполнено скрытой иронии, так как и в этом цикле мы встречаемся с достаточно резкой критикой буржуазной морали, буржуазных идеалов. В пьесах этого цикла впервые отчетливо проступает антимилитаристская тенденция Шоу, стремление разоблачить мнимую героику захватнических войн.

Пьесе «Война и человек» Шоу был обязан своим сценическим успехом и всеобщим признанием. В этой пьесе Шоу замыслил противопоставить «идеалиста» и «реалиста», показать торжество делового человека над романтиком. Подлинный героем грез мечтательной героини (а заодно и богатой наследницы) Райны Петковой оказывается не пылкий офицер Саранов с его шумным геройством, а спокойный, насмешливый Блюнчли, швейцарский солдат на сербской службе. Свою пьесу Шоу начинает удачной, увлекательной сценой, впервые обнаруживая у себя присущее ему чувство экспозиции, - преследуемый болгарскими солдатами сербский офицер прячется в комнате болгарки Райны. Огромное достоинство пьесы – ее блестящее техническое мастерство, обилие комедийных ситуаций и неожиданных поворотов действия. Важной стороной пьесы стала ее антивоенная направленность.

«Кандида» (1895) – более сложная и противоречивая пьеса. В пьесе разоблачено лицемерие внутреннего уклада буржуазной английской семьи. Двум мужчинам – идеалистам противопоставлена женщина реалистка, носительница материнского начала, Кандида. Ее материнская сущность проявляется в отношении к окружающему миру, ко всем людям. Ее любовь к мужу, пастору Мореллу, давно уже приобрела материнский оттенок. И так же по матерински относится Кандида и к юному поэту Марчбэнкс. Презрение к буржуазной аудитории достопочтенного Морелла перерастает у нее в презрение к бессилию христианства. Шоу явно отдает симпатии «идеалисту» другого рода, поэту Марчбэнксу. Он противопоставляет этого юношу, бродягу и мечтателя пастору Мореллу. Бунтующая гордая юность противопоставлена мещанскому благополучию и прописной морали. Недаром именно Марчбэнкс сумел разглядеть с первого взгляда фальшь семейного быта Мореллов. Он надеется, что Кандида уйдет с ним от мужа. В этом сказывается романтическая наивность Марчбэнкса. Кандида давно понимает подлинную сущность своего мужа, но она – жена и мать, а поэтому сознательно сохраняет семейные иллюзии.

В 1897 году была написана пьеса «Ученик дьявола», в 1898 году – «Цезарь и Клеопатра», в 1899 году – «Обращение капитана Брассбаунда». В 1900 году все три пьесы вышли отдельным сборником, озаглавленным «Пьесы для пуритан». В предисловии Шоу обьясняет смысл общего заглавия и обрушивается на современную ему драматургию, насыщенную эротикой. В сборнике «Пьесы для пуритан» Шоу предлагает вниманию читателей драмы, герои которых не руководствуются сексуальными мотивами. Например, политические соображения доминируют и у Цезаря, и у совсем еще юной Клеопатры над другими побуждениями и чувствами. Таким образом, раскрытие всей многогранности человеческих чувств – одна из сильных сторон «Пьес для пуритан».

В 1903 году Шоу создал комедию «Человек и сверхчеловек». Героиней он сделал буржуазную барышню, занятую ловлей жениха, и показал ее действия как служение жизненной силе, инстинкту продолжения рода. Так «женственная женщина» типа Бланш или Клеопатры превратилась теперь в своеобразное орудие прогресса

Пьеса «Пигмалион» была написана в 1912-1913 годах. В этой пьесе Шоу использовал миф о Пигмалионе, перенеся его в обстановку современного Лондона. Парадоксалист не мог оставить миф неприкосновенным. Если ожившая Галатея была воплощенной покорностью и любовью, то Галатея Шоу поднимает бунт против своего создателя: если Пигмалион и Галатея античности вступили в брак, то герои Шоу ни в коем случае не должны вступать в брак. Непосредственная задача Шоу здесь, как он всячески старался подчеркнуть в предисловии, - пропаганда лингвистики, и в первую очередь фонетики. Но это только одна из сторон интересной, многогранной пьесы. Это в то же время пьеса большого социального, демократического звучания – пьеса о природном равенстве людей и их классовом неравенстве, о талантливости людей из народа. Это и психологическая драма о любви, которая по ряду причин почти превращается в ненависть. И наконец, это пьеса гуманистическая, показывающая, как бережно и осторожно нужно подходить к живому человеку, как страшен и недопустим холодный эксперимент над человеком.

С 1913 по 1917 годы Шоу работал над большой и серьезной пьесой, «Дом, где разбиваются сердца» - самая печальная из пьес Шоу: в ней отразились все его раздумья и разочарования тех трудных лет. Это горькое, трагическое признание кризиса английской буржуазной цивилизации, острейшая насмешка над ложью и бесчеловечностью капиталистических отношений. Одно из самых значительных произведений Шоу, эта пьеса не теряет своего значения и при сопоставлении с тем лучшим, что было создано им в последующие годы, и знаменует начало нового этапа в творческом развитии драматурга.

В разгар всеобщего кризиса как в Англии, так и во всех капиталистических странах, в июне 1931 года Шоу закончил новую политическую пьесу «Горько, но правда». Эта пьеса пронизана в подтексте величайшей горечью и рисует тупик, в который зашла английская интеллигенция. Смысл этого «политического гротеска», как называл пьесу автор, в том, что у всех ее действующих лиц открываются глаза на бессмысленность их существования. Это «погибшие души» в еще большей степени, чем герои «Дома, где разбиваются сердца». Все они понимают, что их жизнь пуста и что они «опускаются в бездну», все хотят куда-то бежать из бессмысленного мира, в котором живут. Хотя пьеса выдержана в духе фарса, в ее финале звучит безысходность. Показав, насколько плох старый и безумный мир, Шоу обнаруживает и другое: насколько обманчивы все рецепты спасения и обновления этого мира

В обстановке предвоенных лет Шоу продолжал поднимать острые актуальные вопросы. Все произведения 30-х годов блещут прежним остроумием и богатством сатирической выдумки. Но противоречия в сознании автора отнюдь не сняты: во многих случаях они ощущаются острее, чем в ранних вещах, поскольку проблематика произведений конца 30-х годов намного ответственнее и сложнее той, которой Шоу касался в начале своего творческого пути

Образ Петербурга всегда представал перед читателем городом светским, Пушкин, Гоголь, Блок воспевали его красоту. Но у Достоевского всё иначе: образ города перекликается с психологическим состоянием героев. Петербург Достоевского особенный – мрачный, грязный, с трущобами и пивными, с узкими закоулками и тёмными комнатами, словом, это город бедняков. Такой пейзаж соответствует роману «Преступление и наказание», он дополняет и подчёркивает отчаяние и безнадёжность героев. Жара ещё больше усугубляет их положение – усиливается зловонье распивочных, духота мешает дышать. В грязных, тёмных комнатах умирают мечты о счастье. В этой атмосфере гротескного, фантастически уродливого города и рождается теория Раскольникова, сходит с ума Катерина Ивановна, умирает Мармеладов, не выдерживая своего унылого существования.

Конечно, в грязном и душном Петербурге, в его удручающей обстановке живут люди низших слоёв общества, спившиеся, потерявшие смысл жизни – «униженные и оскорблённые». Это сам Раскольников, его сестра Дуня, семья Мармеладовых. Но не родились они такими, а жизнь, сами законы устройства общества привели их к трущобам.

Раскольников тяжело переживает условия своей жизни: маленькая комнатушка, больше похожая на гроб, духота и зловонье, одиночество. Из-за этого его рассудок несколько мутнеет, и он придумывает теорию, из которой следует, что есть два типа людей – «твари дрожащие» и «сильные мира сего», которым чужды законы совести и морали. Конечно, Раскольникову хочется видеть себя сильным, и он решает себя проверить убийством старухи-процентщицы, наживающейся на чужом горе. После убийства Родион тяжко заболевает и постепенно приходит к выводу ошибочности своей теории. Раскольников отрезает себя от общества, о чём свидетельствуют детали. В эпизоде, когда он идёт по Николаевскому мосту, ему дают милостыню, а Раскольников выбрасывает ее, потому что он не нуждается больше в христианских законах.

С Мармеладовым Раскольников знакомится в одной из многочисленных распивочных, где, напившись, Мармеладов рассказывает о несчастной судьбе всей его семьи – о том, что Сонечке пришлось продавать себя, чтобы совсем не умереть с голоду, о больной его жене. Для Катерины Ивановны особенно тяжело переживать нищету, это противоречит её честолюбивой натуре, ведь она когда-то жила богатой жизнью. Из-за внутреннего дискомфорта, несогласия с самой собой она несчастлива. В своих глазах она унижена.

Сонечка Мармеладова – образ самопожертвования, символ страданий всечеловеческих. Она, преступая через себя, идёт на улицу, потому что иного выхода нет – надо кормить мачеху и её детей. Но Соня, пожалуй, единственная, кто сохранил нравственную чистоту, и она остаётся «под презрением» бога, о чём свидетельствуют детали в романе: она укрывается зелёным платком, в комнате, где она живёт стены зелёные. Зелёный цвет у писателя символизирует бога, его защиту. К тому же, Соня верует, у неё есть Евангелие. Она даже пытается помочь Родиону Раскольникову, читая ему сцену воскрешения Лазаря. Это детали, но они очень значимы для раскрытия внутреннего мира «униженных и оскорблённых» героев.

Дуня – ещё один образ бескорыстной любви. Ради брата она соглашается выйти замуж за мерзкого мещанина Лужина. Из образа Лужина мы понимаем, что добиться успеха может лишь человек, изначально лишенный принципов, для которого не стоит труда «попрощаться» с совестью. А мучаются от содеянного такие как Дуня, общество перед ними ставит задачи, выходом из которых будет преступление против самих себя.

Так значит, это общество со своими жестокими условиями поставило черту, за которой находятся «униженные и оскорблённые». Они одиноки, бедны, им каждый день приходиться переступать через себя, свою совесть. А образ окраинного Петербурга, детали, умело используемые Достоевским, рисуют истинное положение этих людей.

Пьеса «Пигмалион» была написана в 1912-1913 годах. В этой пьесе Шоу использовал миф о Пигмалионе, перенеся его в обстановку современного Лондона. Парадоксалист не мог оставить миф неприкосновенным. Если ожившая Галатея была воплощенной покорностью и любовью, то Галатея Шоу поднимает бунт против своего создателя: если Пигмалион и Галатея античности вступили в брак, то герои Шоу ни в коем случае не должны вступать в брак.

Непосредственная задача Шоу, как он всячески старался подчеркнуть в предисловии, - пропаганда лингвистики, и в первую очередь фонетики. Но это только одна из сторон интересной, многогранной пьесы. Это в то же время пьеса большого социального, демократического звучания – пьеса о природном равенстве людей и их классовом неравенстве, о талантливости людей из народа. Это и психологическая драма о любви, которая по ряду причин почти превращается в ненависть. И наконец, это пьеса гуманистическая, показывающая, как бережно и осторожно нужно подходить к живому человеку, как страшен и недопустим холодный эксперимент над человеком. Обаяние и незаурядность Элизы Дулиттл мы чувствуем уже в первых действиях, когда она еще говорит на нелепом уличном жаргоне.

«Пигмалион» повествует читателю о том, как меняется жизнь людей благодаря образованию. Действующие лица: Элиза Дулиттл, бедная цветочница; ее отец, мусорщик; полковник Пикеринг; молодой человек – ученый Генри Хигинс; миссис Хилл с дочерью и сыном Фредди. События происходят в Лондоне.

… В летний вечер льет дождь как из ведра. Люди бегут к портику церкви, надеясь укрыться там от дождя. Среди них – пожилая дама, миссис Хилл и ее дочь. Сын дамы, Фредди, бежит искать такси, но по дороге натыкается на молодую девушку, уличную цветочницу Элизу Дуллитл. Он вышибает из ее рук корзину с фиалками. Девушка громко бранится. Какой-то человек записывает ее слова в записную книжку. Кто-то говорит, что этот человек – доносчик из полиции. Позже выясняется, что человек с записной книжкой – это Генри Хингинс, автор «Универсального алфавита Хиггинса». Услышав это, личностью Хингинса интересуется один из стоящих у церкви – полковник Пикеринг. Он очень давно хотел познакомиться с Хингинсом, так как и сам увлекается языкознанием. В то же время девушка-цветочница продолжает сокрушаться по поводу упавших на землю цветов. Хиггинс бросает в ее корзину горсть монет и уходит с полковником. Девушка искренне рада – по ее меркам она обладает теперь огромным состоянием.

На следующее утро Хиггинс демонстрирует у себя дома полковнику Пикерингу свою фонографическую аппаратуру. Экономка докладывает, что «очень простая девушка» желает переговорить с профессором. Появляется Элиза Дулиттл. Она хочет брать у профессора уроки фонетики, так как ее произношение не позволяет ей устроиться на работу. Хиггинс хочет отказаться, но полковник предлагает пари. Если Хиггинс сможет за несколько месяцев «превратить уличную цветочницу в герцогиню», то Пикерниг оплатит полностью ее обучение. Это предложение кажется Хиггинсу весьма заманчивым, и он соглашается.

Проходит два месяца. Хиггинс приводит Элизу Дулиттл в дом своей матери. Он хочет выяснить, можно ли уже вводить девушку в светское общество. В гостях у матери Хиггинса находится семейство Хилл, но никто не узнает пришедшей цветочницы. Девушка сначала разговаривает, как великосветская леди, но потом переходит на уличный жаргон. Гости удивляются, но Хиггинсу удается сгладить ситуацию: он говорит, что это новый светский жаргон. Элиза вызывает полный восторг собравшихся.

Еще через несколько месяцев оба экспериментатора вывозят девушку на великосветский прием. Элиза имеет там головокружительный успех. Таким образом, Хиггинс выигрывает пари. Теперь он даже не обращает внимание на Элизу, чем вызывает ее раздражение. Только произношение отличает уличную цветочницу от герцогини, но Элиза не собирается становиться герцогиней. Это Хигинс в своем научном энтузиазме кричит, что за полгода превратит Элизу в герцогиню. Эксперимент не проходит безнаказанно: Галатея восстает против своего создателя со всей силой оскорбленной и негодующей души. Она запускает в него туфлями. Девушке кажется, что ее жизнь не имеет смысла. Ночью она сбегает из дома Хиггинса.

Наутро Хиггинс обнаруживает, что Элизы нет, пытается найти ее при помощи полиции. Без Элизы Хиггинс «как без рук»: не может найти, где лежат его вещи, на какой день назначить дела. Мать Хиггинса знает, что можно найти ее. Девушка согласна вернуться, если Хиггинс попросит у нее прощения.

Шоу сумел в своей пьесе осветить вопрос о социальном неравенстве людей. Образованная Элиза остается такой же нищей, какой она была, когда торговала цветами. Прибавилось только трагическое сознание своей нищеты и безграничного неравенства между людьми. Но в итоге Элиза Дулиттл возвращается в дом Хиггинса, и теперь ее отнюдь не считают глупой девушкой, а ценят и уважают как личность.